«Hai fatto dei vestiti, ma hai fatto moda?»: intervista ad Andrew Groves

Abbiamo incontrato il professore, archivista e designer durante la Milan Fashion Week

Quando si parla di archivi della moda, la mente di tutti va immediatamente ai pezzi di sfilata. Ma non quella di Andrew Groves, fondatore e direttore del Westminster Menswear Archive, il primo archivio pubblico di moda maschile nel Regno Unito. Ciò che lo interessa maggiormente è quello che la moda può dire se collocata nel contesto della realtà e della storia, la testimonianza che è in grado di offrire, non tanto della fantasia astratta di certi designer, ma di come un capo specifico, anche anonimo, possa raccontare l’intersezione tra la storia del vestire e la società. «C’è qualcosa di bello quando si va in un archivio: si arriva con un’idea di cosa potrebbe esserci», ci ha detto. Un’idea che, tra parentesi, viene sempre in qualche modo sovvertita.

In occasione della Milano Fashion Week Uomo SS27, Groves e l’Università di Westminster hanno portato le collezioni finali degli studenti del Master of Fine Arts a Milano, per mostrarle negli spazi dello Slam Jam Center in Brera. Qui, accanto alle collezioni, è stata realizzata un’installazione dal titolo Visible Systems, in cui dieci oggetti del Westminster Menswear Archive vengono affiancati a dieci oggetti dell’Archivio Slam Jam attraverso una serie di abbinamenti tematici. L’idea è quella di creare coppie che leggano la moda come un insieme di sistemi: capi che nascondono e alterano il corpo, superfici che producono significato, visibilità che passa da semplice funzione a strumento di identificazione, ruoli e gerarchie sociali, equipaggiamento per il movimento e il lavoro, organizzazione dello spazio e della mobilità.

Allo stesso tempo, molti dei pezzi in mostra raccontano come il processo di design si evolva attraverso i prototipi, come semplici segni su capi ordinari possano modificarne il significato, come l’identità di design circoli attraverso oggetti brandizzati, e come copie e imitazioni manipolino il linguaggio del branding per generare nuovi significati. Una selezione che include, tra gli altri, magliette taroccate di Comme des Garçons e Supreme, tamburelli creati dalla Lidl per la reunion degli Oasis, caschi antisommossa della polizia, capi riflettenti funzionali abbinati a campioni di Alyx e Been Trill, oltre a prototipi, divise del personale e maglie da calcio personalizzate.

Per capire meglio come è stata costruita questa mostra e quale idea di moda vi sta dietro, abbiamo incontrato Andrew Groves allo Slam Jam Center per rivolgergli alcune domande.

Quale aspetto del preservare e archiviare prodotti di massa le interessa?

Andrew Groves: Se è un pezzo unico, di solito significa che è un campione di sfilata. Nessuno lo ha ordinato, nessuno lo ha comprato. Se è produzione, significa che qualcuno lo ha ordinato, qualcuno lo ha comprato, qualcuno ha scelto di indossarlo. Ha avuto un pubblico. Penso che ci sia il rischio di farsi sedurre dalle pezzi di sfilata e di passerella. Ma quello che conta è il fatto che ha avuto un pubblico.

Se pensi alle maschere della sfilata Dante di McQueen o al corsetto di Mr. Pearl, sono straordinari. Ma ne esiste uno solo. Preferirei di gran lunga vedere quello che ne è stato progettato, che poi è diventato un prodotto che la gente poteva acquistare. Margiela dice sempre che i suoi capi sono proposte finché non vengono comprati. E per me la cosa interessante è che non appena qualcuno lo indossa e lo ha pagato, diventa un capo, un abito. Prima di allora è solo un’idea. È l’atto di mettere le cose insieme che le trasforma in moda, perché le stai plasmando.

Tanta parte delle mostre di moda è basata sull’alta moda femminile, facendoti sentire: non sei fortunata a vedere questo rarissimo abito Dior? A volte quando guardo le sfilate couture penso: be’, questo è interessante a un certo livello, ma che rilevanza ha per qualcuno che conosco? Penso che questo sia un modo di riflettere su cosa significano queste cose, e cosa significano quando le metti accanto ad altre cose: un giubbotto da sfilata di Louis Vuitton accanto alle scarpe da ginnastica della Lidl. Mettendoli fisicamente nella stessa stanza, entrambi cambiano. Quello che si fa qui riguarda molto una cultura basata sull’abito, sulla moda e sul vestire. I capi firmati e quelli usa e getta esistono nello stesso mondo, e ora esistono nella stessa stanza, nell’archivio.

E cosa trova interessante nei capi che non sono di moda, come il casco antisommossa o la maglietta del Covid?

Andrew Groves: Penso che siano capi destinati a scomparire molto rapidamente. Ma sono di un momento preciso, quindi è importante catturarli. E sebbene appartengano solo a un momento, operano comunque all’interno del sistema dei capi militari, e il loro significato viene dalla persona che li ha indossati. Ci sono state circa venti persone che hanno deciso di creare un design per quella maglietta. Quindi è un design prodotto da persone che non sono designer di formazione. Hanno usato quell’idea grafica militare su come rappresentare qualcosa di nuovo, come il Covid. Ma stanno comunque prendendo decisioni estetiche all’interno di un sistema che riguarda ciò che è possibile produrre. È per questo che mi interessa la distinzione tra abbigliamento e moda.

È anche interessante avere il prototipo e poi la produzione finale, e vedere cosa è cambiato e perché è cambiato. Di solito la moda viene mostrata come successo, spettacolo, qualcosa di straordinario. Mentre le cose che non si collocano esattamente in questo schema, a mio avviso, sono molto più interessanti.

E cosa ci dice invece degli oggetti più insoliti, come la maglia da calcio, i gadget della Lidl, la busta brandizzata?

Andrew Groves: Abbiamo una vasta collezione di maglie da calcio, e quasi nessuna è indossata dai giocatori, perché si tratta di riflettere su quale valore abbia un capo e su come si faccia in modo che un capo abbia valore. Se il suo unico valore è che è stato indossato da una persona, il valore è la persona. Non è il capo, vero? Il valore si sta trasferendo dalla persona al capo. La maglietta dell’arbitro con la grafica dell’occhio onniveggente, abbinata a un bomber con lo stesso motivo, entrambi elaborano idee su cosa possa essere un capo.

È l’idea di cose che sono idee di moda e che circolano in modi forse insoliti. La busta, l’idea della busta come qualcosa a volte più importante del capo che contiene, perché è qualcosa che mostri in giro e la gente capisce: ah, sei stato in questo negozio, hai comprato qualcosa. E poi c’è il tamburello della Lidl, prodotto per la reunion degli Oasis l’anno scorso, il prodotto di un supermercato che la maggior parte delle persone pensa esista al di fuori di quella cultura dell’hype, ma che qui ne è completamente travolto.

Qual è la funzione di un archivio così eterogeneo?

Andrew Groves: È piuttosto preciso in termini di ciò che è utile per insegnare agli studenti, e di ciò che accade nell’industria che è interessante e che dovremmo catturare. Forzando le cose insieme, penso si spingano gli studenti a pensare a cose a cui altrimenti non penserebbero. C’è anche quella tensione tra ciò su cui i brand vogliono che le persone si concentrino e ciò su cui potremmo concentrarci noi. I brand vogliono raccontare solo la storia che funziona per loro adesso. Gran parte del nostro lavoro di raccolta, che include anche capi commerciali prêt-à-porter, serve a fare in modo che certe cose non vadano perdute. Abbiamo raccolto le mascherine anti-Covid perché pensavo: tra due o tre anni i brand faranno finta che niente di tutto ciò sia accaduto e non vorranno che nessuno lo sappia.

Quindi ha creato l’archivio principalmente per migliorare l’accesso ai capi?

Andrew Groves: È uno dei motivi. Gli studenti vedevano i capi in passerella, ma non li vedevano nemmeno in negozio. Quello che fa l’archivio è costringerti a confrontarti con tutti questi capi diversi e a trovare il tuo percorso attraverso di essi. Mi sono anche reso conto che tutti pensano che tutto sia disponibile perché è disponibile digitalmente, senza rendersi conto che le cose scompaiono continuamente anche dal digitale. Le persone costruiscono il loro feed su Instagram e all’improvviso sparisce.

Il nostro archivio va da quello che potresti chiamare designer, da un giubbotto della Guerra Fredda a Vivienne Westwood, ai tipi di capo: sartoria, camiceria, pantaloni; all’attività: moto, caccia, escursionismo; all’utilitaristico: divise, una divisa da conducente di metro, abbigliamento militare. Vengono attratti da ciò che pensano sia moda, e poi si appassionano davvero all’abbigliamento in quanto tale. E poi pensano: il mio lavoro come designer è come prendere l’idea dell’abbigliamento e trasformarlo in qualcosa il cui significato sia rilevante oggi, il che lo rende moda. Hai fatto degli abiti, ma hai fatto della moda? A quali idee stanno pensando gli altri designer, e cosa stai aggiungendo tu? Ed è quella la parte difficile, vero?

Un buono studente o un buon designer è qualcuno che comprende il sistema della moda e dove si trova, e riesce a vedere un altro modo in cui potrebbe evolversi, come Margiela, che capiva davvero come funzionasse quel sistema. L’archivio ci aiuta a mostrare loro cose che forse non avrebbero mai visto e a dire: questa potrebbe essere una cosa positiva, questa potrebbe essere una possibilità. Quanto vuoi essere radicale?

E come ha visto cambiare la moda negli ultimi anni?

Andrew Groves: Di certo uno dei ruoli del design è pensare a tutto ciò che sta accadendo. Le idee sul genere, la sessualità e tutto il resto che si sviluppano nel mondo più ampio, con i designer di moda che riflettono davvero sul corpo e su come affrontarlo come soggetto. Non penso che quella discussione occupi la stessa posizione centrale che aveva negli anni Novanta, quando molti designer si confrontavano direttamente con quelle domande. Sembrava che ci fosse una discussione abbastanza sana tra quei diversi designer. Questo non sembra stia davvero accadendo più. Gli studenti vengono da noi e vogliono diventare direttori creativi, e cosa pensano che sia un direttore creativo? Non pensano forse che faccia parte di un sistema che non funziona davvero?

Negli ultimi anni l’industria ha cercato semplicemente di alzare i prezzi il più possibile solo perché sono prodotti di lusso, invece di chiedersi: cosa ottengo in cambio di questo, un pensiero creativo migliore, un uso migliore dei materiali, oppure no? Questo è solo sfruttamento, no? Stiamo dicendo che il brand vale di più, quindi faremo pagare di più per questo. Sono molto più interessato a chi fa cose più interessanti in termini di processo di pensiero. Si potrebbe tornare a Hussein Chalayan e McQueen, vero? Ciò che era interessante era quello che pensavano la moda potesse o non potesse essere. All’inizio la gente forse non comprava quei vestiti, ma guardando Hussein pensavi: mio Dio, c’è qualcuno che ci sta davvero riflettendo.